Las Notas de Alujiro

Hasta este punto, Bright Eyes había sacado su trabajo más ambicioso hasta la fecha.   Lifted or The Story Is in the Soil, Keep Your Ear to the Ground  (2002) es una amalgama de distintos estilos que sirven de buena continuación a su álbum anterior, el cual, mientras tuvo momentos brillantes, habían ciertos detalles que con el paso del tiempo, han hecho ver esa obra un poco desfasada o cliché. Si quieres saber cuáles, te invito a leer el  Post anterior . En este álbum, Oberst y compañía mostraron su lado más inventivo al pasar por campos que eran muy alejados al de ellos. Puedes escuchar a Johnny Cash en ciertas partes, como también a Jeff Mangum y a mucha influencia gótica. Y es este detalle el que me llamó más la atención. Aunque el álbum no se podría definir como algo gótico, hay algo que le da esa vibra; sean las letras, en las cuales Oberst destacó increíblemente, o en la música que, con momentos más ligeros y alegres que los del disco anterior, todavía seguía sinti

Bright Eyes es una banda ya separada, formada en 1995 en Omaha, Nebraska, liderada por el cantautor y guitarrista Conor Oberst. Esta banda hizo ecos a finales de la década de los noventas, pero específicamente, fue en los dos mil que la banda impactó realmente con una música muy reflexiva, deprimente e introspectiva. La banda causó revuelo sobre todo por su asociación con el movimiento Emo, un título que persiguió a la banda desde su alce de popularidad. Y no es para menos. La manera en como Oberst cantaba y describía su sufrimiento e inconformidad con lo que le rodeaba se volvió como el cliché de la temática Emo. Este, el cual vendría siendo su tercer trabajo,   Fevers and Mirrors  (2000), tiene mucha características que te agarran desde que comienza la reproducción del mismo. Para comenzar, el álbum comienza con un niño leyendo fragmentos de un libro de Marjorie Weinman Sharmat que da pie a la primera canción "A Spindle..."; este inicio marca el camino del á

Code Orange, anteriormente conocidos como Code Orange Kids, es una banda que se formó en el 2008 en Pittsburgh, Pennsylvania. Cuando comenzaron, lo hicieron muy jóvenes, tanto que se les dificultaba salir de giras debido a su horario de clases, aparte de algún otro sitio que prohibía la entrada para menores de edad. Adelantando la historia, la banda firmó con Deathwish, Inc., grabaron sus dos primeros trabajos allí, y luego, el año pasado, la banda firmó con Roadrunner Records para, meses después, comenzar con la grabación de lo que sería este trabajo. De esta banda, al igual que de muchas (No puedo estar en todas), no soy un completo seguidor. Es más, no he escuchado sus trabajos anteriores, así que decidí remitirme sólo a este por mero antojo. Había escuchado "Bleeding in the Blur", uno de los singles de este trabajo, unos meses atrás mientras veía un show de la World Wrestling Entertainment (Muy bueno, por cierto), y me gustó lo que oí. Ahora, los busqué y e

En referencia a su trabajo anterior, yo dije que SOHN tenía mucho talento, pero que no sabía cómo distinguirse de otros de su misma corriente, como James Blake y Jamie Woon. Ese trabajo era del 2014 y, ahora, en el 2017, esa combinación escasea un poco más. Es un estilo que, aunque no ha ido muriendo, tiene muy pocos practicantes en la actualidad. Así que, antes de escuchar   Rennen  (2017), el trabajo más reciente de SOHN, de quien no sabía en realidad que había estrenado algo este año, yo me planteaba acerca de qué iba a hacer ahora, si continuar con ese estilo que le cuadraba muy bien, pero no le aportaba nada de relevancia a la música o si iba a experimentar con elementos nuevos. La respuesta a eso, diría yo que se enfoca más en lo segundo. Mientras claramente su estilo lo ha seguido conservando en base, en este LP, SOHN buscó un sonido más dependiente de la Electrónica, haciendo sonar alguna que otra canción más a un toque Industrial o Sintetizado que al Future Gar

SOHN es el nombre artístico del británico, Christopher Taylor, cantante, compositor y productor, quien en el año 2012 lanzó su primer EP, titulado   The Wheel  (2012), recibiendo elogios de la crítica. Luego de eso, y con cambio de disquera, estrenó su primer single "Bloodflows", el cual fue alabado por Pitchfork Media. En mi caso, yo conocí a SOHN por este trabajo en el año 2014. Tremors  (2014) es el disco debut del británico reubicado en Vienna. El estilo de él, al escucharlo, tiene como una combinación de Justin Timberlake, en la forma de cantar, mezclado por el R&B combinado con Future Garage y elementos electrónicos que popularizaron cantantes como James Blake y Jamie Woon. La primera vez que lo escuché me gustó bastante por las texturas que utilizó en este trabajo, junto a su voz, la cual también me recuerda a Rhye, ahora que lo pienso, que me agarró al instante con la canción "Veto", la cual sigue siendo mi favorita en el disco. Es un ál

Jlin es el nombre artístico de la músico electrónica Jerrilynn Patton de Gary, Indiana, Estados Unidos. Ella comenzó en el año 2008 a crear música y, para el 2011, alcanzó notoriedad por su single "Erotic Heat", el cual apareció en su trabajo debut cuatro años después titulado   Dark Energy  (2015). Jlin ha sido conocida por traer un género que había estado en desuso o, por lo menos, olvidado, llamado  Footwork , el cual es un derivado de la música House proveniente de Chicago, que lleva su nombre por los bailes en donde las personas movían sus pies muy rápidos, combinándolos con giros y vueltas. El creador de esta derivación es DJ Rashad, a quien Jlin conoció vía correos electrónicos y la motivó a lanzar su propia música antes de su muerte en el 2014. Si me preguntaras cómo se describiría la música de este álbum, te diría que si buscas tracks que te relajen para leer un libro... este no es tu disco. Este es un trabajo muy directo con beats muy rápidos y con i

Durante el proceso de grabación de éste trabajo, Ryan Adams estaba pasando por momentos muy difíciles para cualquiera: La separación de su esposa, la actríz y cantante Mandy Moore, con quien él había estado desde el 2009. Sinceramente, no tenía idea de los hechos que le habían pasado hasta el momento en donde decidí escuchar este disco. No siempre estoy empapado de noticias musicales, y menos de alguien como Ryan Adams, quien para mí, hasta ese entonces, no era más que otro cantante. Y Country, un género del cual no soy muy amigo. Escuchando   Prisoner  (2017), te das cuenta de lo malo que se sentía en ese entonces. A ver, hay separaciones amistosas, separaciones que vienen tras muchos problemas con la pareja y separaciones en donde una de las partes no quiere que pase. La última instancia es la de Ryan Adams, o, por lo menos, por lo que escuchas en este trabajo, pareciera. En este LP, Adams casi suplica porque la relación no termine o los momentos en donde él se imagin

Como ya debieron haberse dado cuenta, no he publicado todos los álbums de Ryan Adams, sino los más conocidos. No soy un completo seguidor de Ryan Adams y, por lo tanto, no escucharé cada uno de sus discos por dos razones: 1. Por falta de tiempo. 2. Porque siento que no toda su discografía es completamente buena. Es más, estoy haciendo más reseñas de lo que planeaba hacer de él. Iba a ser reseña nada más de su último trabajo, pero no quería saltarlos todos. Aunque sea, quería escuchar qué tenían sus álbums más comentados. Me encontré con la sorpresa de su debut, el cual me encantó bastante, mientras los demás, como pudieron notar, me han gustado, pero no tanto como lo original de él, en donde siento que destacó más, tanto lírica como musicalmente. Habiendo dicho lo anterior y, refiriéndome a su lanzamiento del 2014, debo decir que éste trabajo es el más débil de los que he logrado escuchar. Algo raro porque cuando investigué acerca de este disco, me hice ilusiones porque

Cold Roses  (2005), de cierta forma, es el sueño cumplido de Ryan Adams. Desde el álbum   Gold  (2001), el cantautor quería lanzar un álbum doble. Una idea que la disquera había rechazado. Aún así, luego de lanzar un par de álbums más, en donde empezó a irse por terrenos más a lo Rock and Roll por cierto, él persistía con la idea. Lo que parecía una desgracia se convirtió en algo bueno para él, ya que al romperse la muñeca izquierda en un concierto, y, en la recuperación, volver a comenzar a tocar de nuevo desde cero, él decidió asistirse con una banda, la cual bautizó como The Cardinals en el 2004. Con ella, grabaría lo que sería su álbum deseado y otros discos más hasta su separación en el año 2009. Durante este tiempo, Adams estaba inspirado en artistas como Jerry Garcia de The Grateful Dead debido a que él sentía que el antes mencionado no tenía miedo de arruinar las canciones. Inspiración que creo que se le salió de la mano porque estaba consumiendo drogas por est

Este álbum de Ryan Adams lo hizo conocido por dos razones: 1. Por la rapidez en sacar discos, ya que éste álbum, que iba a ser doble, fue estrenado un año después de su trabajo debut. 2. Por tener una cantidad de canciones, específicamente "New York, New York", que se volvieron himnos en la música. El hecho de que fuera lanzado en el mes de Septiembre del 2001, con canciones como la antes mencionada, hizo que éste tuviera mucha repercusión en MTV debido a que su música tenía ese sentimiento patriótico que faltaba en ese entonces, los cuales eran tiempos en donde la unión era la principal cosa en mente. Nada más imagínense; el disco es el más vendido de su carrera. Obviamente, no con esto desprestigio el álbum. Es un buen álbum con muchas canciones que se volvieron obligatorias en el repertorio del músico y con colaboraciones resaltantes como la de Adam Duritz (Counting Crows) en coros de varios tracks y el saxofonista Kamasi Washington, que iba a tener éxito pr

Que si el título del álbum vino, como dice el propio Adams, de un poster de Mariah Carey o no, lo que sí hay que recalcar es que el nombre le va como anillo al dedo. El debut de Ryan Adams como solista, luego de la separación de Whiskeytown, su antigua banda, es una colección de canciones en donde el cantautor nos muestra un lado muy sensible en el que más de uno se podrá identificar. Ryan Adams es una figura proveniente del movimiento del Country Alternativo que salió entre los noventas y dos mil, con otros siendo las bandas Wilco y Bright Eyes, la última con ciertas tendencias Emo. Desde sus letras hasta sus composiciones son resguardadas hoy como importantes en el desarrollo de este género en su tiempo.   Heartbreaker  (2000), su primer lanzamiento solista, tiene canciones que pueden hacer dos cosas: 1. Destrozar el alma y el corazón de quien lo escucha, o 2. Ahogar tus penas luego de terminar una relación. Adams recopiló unas canciones que muestran una desnudez y un

Syd, o Syd the Kid, es el nombre artístico de Sydney Bennett, una joven cantante, compositora, DJ y productora que saltó a la fama por pertenecer al grupo Odd Future de Tyler the Creator y The Internet, un grupo de Soul donde ella es la vocalista principal. En este año, Syd se atrevió a lanzar su debut   Fin  (2017), un álbum que, desde antes de salir, ya podía llegar a pasar desapercibido debido a palabras dichas por la propia cantante, en la que, prácticamente, dice que este disco no es tan profundo, que esto significaba más para ella como algo en donde puede tener una canción en la radio, algo para quizá hacer algo de dinero o para tocar nuevas cosas en vivo. Este tipo de declaraciones no deberían provenir de alguien que va a lanzar un álbum debut. Literalmente, estás matando todo tu  hype   sin ni siquiera haberlo iniciado. Aún así, me aventuré a escuchar este álbum. Para ponerlo así, este LP suena como a esa onda del R&B y Neo-Soul que existió a finales de

Ya he escuchado acerca de Jens Lekman, un músico de origen sueco que ha venido sonando desde la década anterior y que su estilo se compone de baladas Pop a punta de guitarras y distintos arreglos de cuerdas. Aún así, nunca he escuchado un álbum del músico, lo que hace que éste sea mi debut con él. Lo primero que uno nota en este trabajo son sus letras, las cuales muestran relatos humorosos y sarcásticos con respecto a sus problemas personales o anécdotas. Por ejemplo, uno de los tracks que me causó más risa fue "How We Met, the Long Version", en el cual Lekman nos cuenta la larga historia de cómo comenzó alguna relación, pero detallándolo todo desde el big bang y la creación del planeta a base de un ritmo funky. A ver, este track es inteligente y, a la vez, sin sentido. Muy bueno para sacarte una risa. Él tiene esa facultad que, mediante las letras, te cambia el humor; como también puede ser visto en "What's That Perfume That You Wear?", el primer

No sé si será por las altas expectativas que tenía al ver cómo iban a seguir su álbum sofomoro, pero   Run the Jewels 3  (2016) no es el estilo de disco que el dúo nos tiene acostumbrados. Claro, a primera vista, pareciera que están siguiendo la fórmula que les sirvió en sus lanzamientos anteriores, pero hay ciertas diferencias. La primera es que los beats, que eran más directos y llamativos en el trabajo anterior, ahora son más complejos, llegando a sonar hasta Industriales y recordando su primer disco. El segundo es que el grupo se ha vuelto menos sutil en sus lírica, ya que en este disco no sólo han disparado en contra de esos maestros que ellos siempre hablan de matar, pero que nunca revelan quiénes son, sino que hay canciones que tienen ciertos guiños a Trump. Sí, Run the Jewels también se unió al grupo de artistas que atacan a Donald Trump. Él se ha vuelto material para muchos. No quiero decir que este disco sea malo, sino que, al compararlo con el anterior, el dú

Lo que Run the Jewels logró al lanzar su álbum sofomoro como dúo es impresionante. El simple hecho que lo lanzaron un año después de su debut ya es algo asombroso. Pero, ¿superarlo? Ya eso es increíble. Porque eso es lo que hicieron; el dúo logró mejorar las fallas que aparecían en su primer trabajo e hicieron un LP lleno de momentos en donde a uno se le cae la mandíbula del impacto. Líricamente, no hay fallas fatales; Killer Mike y El-P ya son dos raperos consolidados de la vieja escuela, así que muy pocos pueden estar al nivel de ellos en lo que se refiere a versos. Lo que diferencia este trabajo del otro en la lírica sería que aquí están más agresivos que en el primer disco, con temas más sociales y hasta alentando a rebeliones en contra del sistema judicial debido al mal trato que estos tiene con las minorías; esto ejemplificado en el mejor track del disco "Close Your Eyes (And Count to Fuck)" con Zack de la Rocha quien, aunque no hace un verso demasiado me

Run the Jewels se podrían considerar un super dúo. Killer Mike y El-P, los raperos que lo conforman, no son unos novatos; hasta el 2013, ellos tenían 20 años de carrera de forma individual. Después de unas colaboraciones de uno en el álbum del otro en el 2012, decidieron hacer una gira juntos que terminó con mucho éxito, por lo que decidieron unirse y formar este dúo al año siguiente. Este LP es ambiguo ya que tiene tantos sentimientos de la vieja escuela como de la nueva. La manera en cómo ellos rapean no se siente como un trabajo en colaboración, sino como un duelo de rimas de los primeros trabajos de la era dorada del Hip-Hop. La manera en cómo se relacionan el uno con el otro en este trabajo es insana; tienen un carisma y una química que impacta desde que comienzas a escuchar el disco. Son unos viejos maestros en esto y en este trabajo no hacen más que elevar este título. Cada rima es oscura, fuerte, violenta, enojada; definitivamente, como ellos mismos dicen, Run th

Si algo notarás en el nuevo álbum de Vince Staples es que el viejo Vince murió en cierta forma. Desde el principio te das cuenta del enfoque adquirido del rapero en la Electronica, específicamente tomando el sonido del UK Garage y Hyphy, haciendo sonar el disco como Grime en ciertos momentos, como en el opening "Crabs in a Bucket", en donde ésta influencia se siente más fuerte. En este LP, Vince usa la metáfora del pez en el acuario, en donde dcho pez no puede crecer más debido al espacio en donde se encuentra. Esto lo puede asociar en un sentido a él mismo (El pez) y las etiquetas que la sociedad (El acuario) le pone. Es un disco reflexivo que viene de su análisis de la fama que le llegó al rapero. En cómo él perdió cierta identidad en referencia a su antigua vida; él ya es una persona distinta que, buscando la fama, se siente en ciertos puntos perdido o decepcionado, teniendo pensamientos mortales, ya que no puede encontrar toda la felicidad que él pensó que

Vince Staples nunca ha sido un imán de alegría y jolgorio, pero éste EP es uno de sus trabajos, sino, el más deprimente. Los temas que él tocó en su álbum debut   Summertime '06  (2015) acerca de su vida en bandas y su pasado fuerte fueron sustituidos por sus problemas internos al llegar a la fama. Este EP tiene unos interludios en donde Vince canta a capela temas gospel pero de una forma muy oscura y triste, simbolizando todo lo contrario que canta; la fama le llega, pero no encuentra la felicidad ni siquiera con el dinero que produce. Esto conlleva a que Vince tenga problemas internos como la depresión al grado de pensar en el suicidio. Musicalmente, es muy decepcionante, pero no por los tópicos y el ambiente antes mencionado, sino por la falta de ellos en los tracks. Aunque este trabajo es más pulido que sus anteriores lanzamientos, la música tiende a ser más monótona o hasta aburrida en comparación con sus viejos beats hipnóticos. Ni la ayuda de James Blake, que

En su álbum debut   Summertime '06  (2015), Vince Staples decidió hacer un álbum doble en referencia a la temática hablada en su EP   Hell Can Wait  (2014), la cual es su vida en Long Beach mientras crecía. Staples ha estado ligado con las pandillas y con una vida bastante disfuncional que le ha servido al rapero para poder distinguir lo bueno de lo malo y salir adelante. No era una vida de la cual estaba orgulloso, así que, más bien, busca llevar un mensaje positivo a los jovenes para que no caigan en el mismo camino que él. Líricamente, Staples no es el mejor rapero, muchas de sus letras logran ser simples, pero esa simplicidad es lo que lo hace destacar en su trabajo, ya que la forma en cómo retrata su vida queda como cruda y honesta, sin rodeos ni utilizando palabras bonitas para aligerar su contenido. Staples en su álbum te dice todo desde el racismo que veía en la zona hasta como su padre lo influenció a él para irse por ese mal camino, vendiendo drogas. Es u

Para el año 2014, Vince Staples tenía 20 años y sólo era conocido por su asociación con Odd Future, el grupo liderado por Tyler the Creator, en donde ya se le veía cierto talento que lo hacía único en un grupo en donde la mayoría de los miembros pasaban irreconocibles, a menos que fueras Tyler o Frank Ocean. Staples decidió plasmar sus vivencias de cuando era más joven en su EP debut   Hell Can Wait  (2014), en donde el rapero de la Costa Oeste da rienda suelta a sus versos, los cuales se muestran muy profesionales, aún para ser un rapero emergente. En él, te narra de su vida durante los años de secundaria y lo que él veía de forma diaria, prácticamente. Desde las pandillas, en donde el propio Staples estuvo, las muertes de sus amigos e, inclusive, los drogadictos que rondaban por su casa; este EP es fuerte y más aún por ser experiencias propias del rapero. Musicalmente, este trabajo está en llamas; tiene unos beats y unos arreglos buenos, no diré que perfectos, pero sí

Idles es una banda británica de Punk que tomó a todos por sorpresa este año. Ellos se formaron en el 2010, pero su fama había sido relegada a la escena underground de Inglaterra mediante unos EPs que fueron lanzados. Así que, básicamente, éste es un álbum debut de una banda que nadie se esperaba. Y es que   Brutalism  (2017) es un trabajo con tintes retro de Punk, pero con mayor agresividad que la acostumbrada en estos tiempos. Para empezar, el nombre "Brutalism" viene por un estilo en la Arquitectura que es bastante dependiente del concreto y que comenzó su expansión después de los tiempos de guerras en las zonas urbanas, predominando en iglesias y escuelas que se conservan hasta el día de hoy. El ábum es descrito así; feo, torpe, gris, brutal, pero hermoso como cualquier arte. El sonido de este LP es salvaje, directo, fuerte, agresivo; las palabras me faltan para describirlo. Musicalmente, está basado en el Punk retro de bandas como The Clash o Sex Pistols,

El último trabajo de Arca, nombre artístico del venezolano Alejandro Ghersi, lo vió a él tomar más riesgos. Este es el primer disco en donde se le oye cantar y es algo que me deja en shock porque tiene una de las voces más emotivas que he escuchado en estos últimos tiempos. A través de ella, puedes sentir un dolor y una tristeza enorme que te puede dejar en un estado de impresión la primera vez que la escuchas. Algo bastante fascinante del productor. La voz del productor aportó bastante a esta grabación llamada de forma homónima,   Arca  (2017), debido a que a través de ella le dió más sentido a las composiciones; sentido el cual le faltaban en sus trabajos anteriores, en donde era experimental por serlo. Canciones como "Piel", la apertura del álbum, es un sonido ambiental muy denso a base de sintetizadores y en donde Ghersi canta acerca de quitarse la piel para ser una nueva persona. Una entrada que encaja muy bien con la temática del disco. Ghersi ha dic

El primer álbum de Arca probaron dos cosas: Uno, tenía muchas ideas que plasmar; dos, tenía ambición. Esos dos factores poblaron su trabajo   Xen  (2014), el cual, musicalmente, era un viaje tétrico a la mente de Alejandro Ghersi, el productor conocido como Arca. El álbum asomaba mucho talento, pero quedaba en ideas incompletas que me dejaron en un punto de insatisfacción. En el segundo trabajo,   Mutant  (2015), Ghersi apostó por volverse más ambicioso y complejo que en su primer trabajo. La experimentación de este LP se distancia demasiado de su obra anterior. Empezando por notar que es más largo, con 20 tracks, cada uno con un brillo distinto al otro, pero, a su vez, unidos por un hilo de material completamente abstracto. Ghersi continúa con su alejamiento de la música para crear espacios o momentos a través de sus sonidos, los cuales se van desarrollando en muchos tracks de forma orgánica. El Glitch Hop impregna todo el disco desde su primera pista "Alive"

Arca es el seudónimo del productor venezolano Alejandro Ghersi. Actualmente residenciado en Londres, fue en Venezuela donde él tuvo sus primeros pasos, haciéndose una fama moderada bajo el nombre Nuuro recibiendo alabos por parte de artistas nacionales como Los Amigos Invisibles. Ya en el extranjero, él se ha hecho conocido por ser colaborar con Kanye West, FKA Twigs y Bjork. Su debut   Xen  (2014) dejó a más de uno perplejo; y de forma muy entendible. Al escuchar por primera vez su música, te sientes muy desorientado y muy pensativo con respecto a lo que acabas de experimentar. Es como la sensación que te da al ver esa portada tan repulsiva y erótica a la vez. Y es que todo está basado acerca de cómo el propio Ghersi veía su homosexualidad. Un pensamiento bastante perturbador que logró plasmar en sus grabaciones. Este LP, musicalmente, es una combinación de subgéneros electrónicos como el Wonky, el Glitch Hop, el Industrial, el Ambient y ciertos aires de Hip-Hop. F